Si durante todo el período medieval las novedades artísticas tienen Su origen en Francia (tanto el románico como el gótico son estilos que nacen en Francia), a partir del s. XV será Italia la que se convierta en la vanguardia artística de Europa hasta el s. XVIII. Así que el movimiento artístico conocido como Renacimiento nace en Italia a comienzos del s. XV ( cuando todavía en Europa está vigente el gótico) y se difundirá por Europa en el s. XVI
Para entender el significado del Renacimiento es preciso atender a lo siguiente:
1.-Forma parte de un movimiento cultural conocido como HUMANISMO. Esto quiere decir que, a diferencia de la cultura medieval que era casi exclusivamente de carácter religioso, el Humanismo es un movimiento cultural de intensa secularización, consecuencia del desarrollo de una mentalidad laica. Esto no quiere decir que fuera antirreligioso o anticristiano, sino sólo que valoraba al hombre y a todo lo que tenía que ver con él
2.-Según creían los renacentistas, hubo un tiempo (el mundo clásico de la antigüedad) en el que los artistas imitaban a la naturaleza sobre la base de la medida y la proporción y sus obras eran bellas. Después llegaron los bárbaros (el Medievo) e hicieron obras en las que reinaba la confusión, el desorden y la fealdad Finalmente, dicen, ha llegado el tiempo (el mundo renacentista) en el que se retorna a aquellos principios y normas del pasado clásico, volviéndose a producir de nuevo obras de arte hermosas y bellas. Esto era una propuesta de una renovación del mundo y del hombre, era la recuperación de la antigüedad
Con ese afán de recuperar la antigüedad los artistas del Renacimiento estudian la cultura y el arte de los griegos y romanos y, basándose en retazos del pasado, creen revivir la cultura y el arte de la antigüedad clásica, pero lo que realmente hacen es producir un arte cualitativamente nuevo y diferente. Y esta es su grandeza.
Finalmente, hay que hacer notar la gran importancia que tiene en esta recuperación de la antigüedad el rescate del mito clásico. Ahora bien, los mitos griegos y romanos ofrecían unos dioses y unos héroes que estaban en contradicción con los valores cristianos de la cultura humanística. De forma que los humanistas se aplicaron a desarrollar una tarea de acondicionamiento del mito y buscaron analogías filosóficas, históricas, morales con el fin de adecuarlo a los valores cristianos. Esto es lo que se conoce como la Concordatio Christiana.
Cuando se señalan las fases del Renacimiento italiano, y esto sólo es válido para Italia, se dice que hay :
· Primer Renacimiento ( principios del XV-finales del XV)
· Alto Renacimiento (fines del XV-1525)
· Renacimiento Tardío (1525-fines del XVI)
Dentro del Renacimiento Tardío hay, al menos, dos corrientes artísticas que es necesario señalar: el arte Manierista y el arte de la Contrarreforma.
ARQUITECTURA.- Se puede hablar de una recuperación del código y de los órdenes arquitectónicos clásicos. Se utilizan el arco de medio punto, las bóvedas de cañón y de arista y la cúpula. El muro, verdadero soporte de las cubiertas, es como una superficie bien organizada visualmente en pisos o niveles.
Durante el Primer Renacimiento la decoración (medallones, guirnaldas,...) es abundante y existe la tendencia a buscar contrastes de texturas y luces en las paramentos externos (sillares almohadillados). Por el contrario, durante el Alto Renacimiento se tiende a aminorar la decoración y a buscar más los efectos de masa y volumen, el contraste de macizos y huecos y el juego de luces y sombras, poniendo de manifiesto la estructura del edificio.
De entre todos los arquitectos italianos hay que destacar a F. Brunelleschi, L. S. Alberti, D. Bramante, Miguel Ángel Buonarotti y A. Palladio.
ESCULTURA.- Se cultivo tanto el relieve como la escultura exenta en puertas, altares, tumbas, púlpitos,... prefiriéndose el mármol y el bronce. Es objeto de atención preferente el cuerpo humano en las más variadas posiciones corporales y expresiones anímicas. En el s. XV destaca Donatello, mientras que el s. XVI está dominado por la gigantesca figura de Miguel Angel Buonarotti.
PINTURA.- La pintura mural al fresco se desarrolla abundantemente en los interiores de iglesias y palacios. En la pintura de caballete se utiliza el temple sobre tabla y, ya bien entrado el s. XV se introduce el óleo y la tela como soporte.
El dominio de la perspectiva va a permitir el desarrollo de una pintura que pretende ser un reflejo fiel de la realidad, tal y como esta se ve. La perspectiva es un sistema de representación de los objetos que son representados en un plano, tal y como aparecen ante nuestra vista desde un punto de vista determinado. De manera que sobre una superficie bidimensional se representa la realidad tridimensional Para eso es necesario utilizar una serie de reglas geométrico-matemáticas. Este sistema de representación prespectivo permite conocer científicamente el mundo real
Se distinguen dos tipos de perspectivas: la lineal o "artificialis” y la aérea. La lineal se basa en la geometría descriptiva y es una recreación mental y abstracta de la realidad. Presupone una serie de convenciones:
· Un punto de vista único e inmóvil. Es, pues, una visión monocular y estática.
· Ignora la curvatura del campo visual presuponiendo que nuestra retina, lugar donde se proyectan las imágenes, es una superficie plana y no convexa.
· El espacio, tal y como es representado en la perspectiva lineal es homogéneo y constante, equivalente en todas sus partes.
Pero la perspectiva lineal no fue unánimemente aceptada y hubo artistas que criticaron sus convencionalismos, pues no mostraba la realidad de la visión. Por ejemplo, la perspectiva lineal mostraba con la misma claridad y nitidez las figuras del primer plano y las lejanas. Leonardo da Vinci es uno de los que investiga el sistema lineal y propone una serie de correcciones y es así como se desarrolla la perspectiva aérea o del color, llamada también "naturalis”
En la perspectiva aérea la visión está condicionada por la esfericidad o convexidad del órgano de lo visión y también por el medio que se interpone entre el ojo y el objeto: el aire. Todas las relaciones de luz, color, distancias dependen del grosor de la capa de aire interpuesta entre el objeto y nuestro ojo. Si esto es así, resulta que:
· Los colores se difuminan en relación con las distancias y tienden a oscurecerse, acercándose al azul oscuro.
· Los cuerpos pierden determinación en relación con las distancias y los contornos de los cuerpos se tornan imprecisos, pierden claridad y nitidez.
· La convergencia hacia el punto de fuga no es tan acentuada como en la perspectiva lineal, ya que la transición entre los diferentes planos se realiza a través del aire o atmósfera.
Las características generales de la pintura renacentista italiana se pueden resumir en lo siguiente:
Durante la primera mitad del s. XV los pintores se preocupan por conquistar el espacio, la tridimensionalidad y consistencia de las figuras, por el dominio de la perspectiva y de la luz. Durante la segunda mitad del siglo sus pesquisas se dirigen básicamente hacia la representación del movimiento, del carácter o temperamento de los personajes, al desarrollo de escenas secundarias que complementan a la principal y todo ello en una adecuada composición y con una participación del paisaje muy importante.
Pintores fundamentales del s. XV son:
· Masaccio, Piero de la Francesca y S. Botticelli en la escuela florentina.
· L. Signorelli en la escuela de Umbría.
· A. Mantenga en Mantua.
· Jacobo y Gentile Bellini en Venecia.
Durante el Alto Renacimiento destacan sobre todos: Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarotti. Pero también está la escuela veneciana, muy importante, con Giorgione, Tiziano y Tintoretto.
Finalmente, dentro de la pintura manierista se pueden señalar a Pontormo, Bronzino y Parmigianino.
LAS PLANTAS CENTRALIZADAS EN EL RENACIMIENTO
Para los arquitectos renacentistas el templo ideal era de planta centralizada, alejándose así de la tradición cristiana de la basílica.
Una compleja ideología y simbolismo se oculta tras esa preferencia. Se parte del hecho de que el círculo es la figuro más perfecta de la creación y la que expresa mejor la naturaleza de la divinidad. Platón en el Timeo describe el mundo como "una esfera con un centro equidistante de los extremos en toda dirección: figura ésta la más perfecta y uniforme de todas”
La belleza formal abstracta, que tiene la esfera y el círculo como figuras geométricas perfectas y el simbolismo tradicional del que están dotadas se conjugan con el conocimiento de la cosmología platónica que los renacentistas tienen para hacer de ellas pilar fundamental de la estética. El hombre con sus construcciones se acerca a la imagen del universo divino del cual, tales construcciones, son como un eco mundanizado.
Siempre que estas ideas no eran coartadas por las costumbres o las necesidades litúrgicas, los arquitectos porfiaban en su empeño por realizarlas. Así, Giuliano de Sangallo : Stª. María de las Cárceles (Prato,1495) ; Antonio de Sangallo : Madonna de S. Biagio (Montepulciano, 1518- 28); Cola de Caprarola : Iglesia de la Consolación (Todi, 1508); Bramante: s. Pietro in Montorio (Roma, 1502); Proyectos de Bramante y Miguel Angel para S. Pedro del Vaticano.
LA RECUPERACIÓN DEL MITO CLÁSICO
Era muy frecuente en la Italia del s. XV escenificar alegorías y mitos, así como la realización de torneos y cortejos triunfales en las fiestas públicas y palaciegas, como medio de ostentación y afirmación de poder.
Es en la segundo mitad del s. xv cuando la alegoría profana y el tema mitológico se imponen en la decoración de los palacios y villas de las grandes familias, que, asesoradas por los intelectuales humanistas, escogen y encargan los temas y artistas más apropiados a sus propósitos.
El mito clásico es utilizado, a través de simbolismos, metáforas y alegorías, para justificar el presente, para verificar una concepción filosófica (el humanismo), para ejemplificar una nueva ética, como espejo de una nueva moral, como conocimiento de la Historia y, casi siempre, para exaltar los valores humanos, políticos y morales del comitente.
Muchos de los temas mitológicos que se elaboraron en el Renacimiento son muy complejos y con múltiples referencias astrológicas, filosóficas, esotéricas. Por eso, para poder leer una Imagen mitológica renacentista, era necesario conocer las claves para el conocimiento y cabal comprensión de dicha imagen y su mensaje. En ocasiones, una misma imagen puede tener más de una interpretación.
De entre los muchos artistas que trabajaron el mito en el Renacimiento podemos destacar a Sandro Bottícellí. Veamos algunos ejemplos ;
La Primavera (1477-78) y El nacimiento de Venus (1482) fueron realizadas para Lorenzo di Pierfrancesco de Medici. Una carta de Ficino (filósofo y humanista florentino) a Lorenzo di Pierfrancesco en 1478 constituye el núcleo ideológico de las dos representaciones. Ficino desea al joven Lorenzo que bajo la devoción de Venus-Humanitas alcance el equilibrio de todas sus dotes.
En La Primavera, Venus, como Humanitas, aparece en el centro separando los elementos sensibles de los espirituales. Aquí Venus aparece como símbolo de la educación humanista.
En El nacimiento de Venus alude al nacimiento de Humanitas engendrada por la Naturaleza, o sea, como unión del espíritu con la materia.
2°. -EL ARTE BARROCO
Nace en Italia en los últimos años del s. XVI; extendiéndose por Europa durante los s. XVII y gran parte del XVIII. En sentido estricto se puede decir que la época barroca abarca el s. XVII y la primera mitad del XVIII.
Se le puede calificar de arte ilusionista o de las apariencias, pues pone de manifiesto la ambigüedad o imprecisión a la hora de captar lo real y distinguirlo de lo apariencial.
Es, así mismo, un arte brillante y ostentoso que se pone al servicio de los poderosos monarcas absolutistas y de la Iglesia católica. Por otra parte, el barroco tiene múltiples facetas: católico, protestante, cortesano, burgués, religioso, laico,...
ARQUITECTURA.-El hecho arquitectónico pretende ser una síntesis unitaria de todas las artes (arquitectura + pintura + escultura), en donde predominan los valores lumínicos y pictóricos, desarrollándose hondas perspectivas espaciales y buscando sorprendentes efectos espaciales. La estética urbanística planifica escaleras monumentales, plazas colosales, jardines con estatuas y fuentes,..
A grandes rasgos, los elementos arquitectónicos son los del Renacimiento pero utilizados con otra sintaxis. Se tiende al gigantismo, se utilizan elementos desprovistos de su función y, a veces, se hace difícil distinguir la estructura de la decoración. Los elementos arquitectónicos adquieren una gran potencia: superposición de órdenes, atlántes, cariátides, grandes columnas y pilastras, el orden gigante, la columna torsa o salomónica (fuste helicoidal), el estípite (pilastra con forma de pirámide truncada invertida), abundancia de cúpulas de todo tipo, algunas de ellas falsas (encamonadas),...
Los edificios están llenos de movimiento. Las plantas de las Iglesias desarrollan formas elípticas, con entrantes y salientes, dotando al espacio de continuas tensiones y distensiones. Las paredes se alabean, evitándose todo planismo y potenciando el claroscuro. Las columnas se aíslan del plano, se abren abundantes nichos, las cornisas adquieren grandes voladizos, los límites entre el muro y el vano se tornan imprecisos. Y todo ello lleno de una rica decoración, generalmente, botánica.
El muro, en definitiva, adquiere una significación dinámica, perdiendo la pared su condición de frontera o límite fijo. Esto es, el espacio no parece encontrar límite en el muro, sino que continúa, se distiende, es elástico. A ello contribuyen una serie de efectos ópticos (espejos, pinturas, perspectivas ilusorias) y lumínicos (fuentes de luz ocultas) que crean ambientes fantásticos y misteriosos.
Las fachadas de los edificios barrocos no son para ser vistas de frente y estáticamente, sino desde cualquier otro ángulo y en movimiento, especialmente de perfil, desde donde se puede apreciar el juego de saliente-entrante y los escorzos acusados. Además, estas fachadas poco o nada anticipan de lo que hay en los interiores. Y, especialmente, los edificios barrocos son siempre un espléndido e impresionante marco escenográfico donde se representa el ritual del poder, ya sea el civil, ya sea el religioso.
En Italia hay que destacar en el s. XVII especialmente a dos arquitectos: BERNINI (1598- 1680).-También escultor y pintor, es una de los arquitectos más influyentes de la Europa barroca. Suyas son la plaza de S. Pedro en el Vaticano (1657-66), y la iglesia de S. Andrés en el Quirinal (Roma) y BORROMINI (1599-1667) con la Iglesia de S. Carlos de las Cuatro Fuentes (1639) y la iglesia de S. Ivo 1642-50).
En España, los dos primeros tercios del XVII son una continuación de la arquitectura de la Contrarreforma, y en donde El Escorial sirve de modelo arquitectónico. Juan GOMEZ DE MORA es la gran figura de esta arquitectura. En el último tercio del XVII comienza la ornamentación y la influencia italiana.
LA ESCULTURA.- Es de un naturalismo intenso, valorándose de manera especial las texturas y calidades de las telas, carnes, cabellos, etc. consecuencia del valor atribuido a la apariencia por el barroco. Por otro lado, dado que una parte muy importante de la escultura es de carácter religioso y su función es la de excitar el sentimiento, se buscan expresiones y situaciones con un alto contenido emocional y pasional. Se representan desde situaciones de martirios, sufrimientos y castigos crueles y espantosos, hasta otros de éxtasis místicos, pero siempre la figura humana en un estado de exaltación y tensión extrema, ya sea física, ya anímica.
Para conseguir esto el escultor se vale del movimiento, un movimiento impetuoso, acelerado, que hace que brazos y piernas se lancen al espacio, con grandes líneas en diagonal y composiciones asimétricas. Los ropajes y las carnes también acusan este movimiento, presentando profundas arrugas y pliegues y ofreciendo un fuerte claroscuro.
La temática es religiosa (triunfos, martirios, milagros), mitológico-alegóricos (como imagen del poder político) y retratos, con una gran carga de didactismo y propaganda.
En Italia sobresale BERNINI uno de los máximos representantes de la escultura barroca. Entre su numerosa obra cabe destacar Apolo y Dafne y el Éxtasis de Stª Teresa,
En España el influjo extranjero es débil de forma que se puede hablar de una manifestación puramente nacional. Rasgos nacionales son:
· Casi toda la escultura es religiosa, una buena parte de ella para las procesiones.
· El material preferido, con diferencia, es la madera, que se policroma.
· Un naturalismo exacerbado que lleva a emplear elementos postizos como ojos, pestañas, uñas, llegándose a hacer esculturas de vestir, esto es, sólo se esculpen la cabeza, las manos y los pies, siendo el cuerpo un armazón vestido con vestimentas reales.
Durante el s. XVII se constituyen dos escuelas: la castellana (Valladolid) con GREGORIO HERNÁNDEZ y la andaluza (con dos centros, uno en Sevilla y otro en Granada) con JUAN MARTINEZ MONTAÑÉS, ALONSO CANO y PEDRO DE MENA, a las que hay que añadir otra escuela en el s. XVIII: la levantina (Murcia) cuyo máximo representante es SALZILLO.
LA PINTURA.-Todo lo que se dijo de la escultura se puede aplicar a la pintura, pues ambas participan de la misma estética: naturalismo, gusto por el movimiento, efectismo, teatralidad; esquemas compositivos asimétricos en aspa o en diagonal, interés por los contrastes lumínicos, los escorzos, etc.
El barroco conquista definitivamente la perspectiva aérea y asimila la importancia que dio la escuela veneciana al color como creador de forma y a la intensidad cromática. Se cultivan también sofisticaciones ilusionistas como la llamada “perspectiva de abajo hacia arriba" o la pintura de quadratura.
Se impone el retrato de cuerpo entero, se crea el retrato de grupo y aparecen temas nuevos : el paisaje (natural y urbano), el bodegón, el tema de interior con escenas domésticas, temas de animales y de flores, junto a los tradicionales religiosos, mitológicos,...
En Italia, CARAVAGGIO es el padre del TENEBRISMO (contraste fuerte y brusco de luz y la oscuridad) y representante de la más pura tendencia naturalista. A. CARRACI representa otra tendencia más clasicista.
En Francia, también hay dos tendencias; una tenebrista y naturalista, representada por George LATOUR, y otra, clasicista, cuyos exponentes son Nicolás POUSSIN y Claudio LORENA .
Flandes tiene en Pedro Pablo RUBENS a su gran pintor. En su pintura están presentes las formas monumentales y la composición miguelangelescas y, en especial, el colorido de Tiziano. Cultivó la mitología y la alegoría abundantemente. La producción de su taller fue muy numerosa, estando sus colaboradores especializados en pintar partes del cuadro (unos, los animales: otros, las flores, etc.). Discípulo de Rubens es VAN D YCK, un gran retratísta.
La pintura de Holanda es eminentemente de carácter civil; ya que la religión protestante no demanda, como la católica, pintura devocional. Es, pues, la burguesía, que compra y colecciona cuadros como signo de status y distinción social, la que fomenta el desarrollo de la escuela holandesa. Los géneros preferidos son: el retrato de grupo, los paisajes (urbanos y naturales), bodegón, de interior, de arquitecturas, .. De entre sus pintores hay que destacar a F. HALS creador de los retratos de grupo y sobre todo a REMBRANDT; que es a la pintura holandesa lo que Velázquez a la española. Más que tenebrista, su pintura es “claroscurista”, esto es, la sombra no es una zona opaca, como en Caravaggio, sino un ambiente en el que, si bien los ricos matices de color vibran con menos fuerza, sin embargo, tienen un gran carga poética que evoca el misterio y la soledad. Cultivó todos los géneros pictóricos y también el grabado.
En España se diferencian tres escuelas:
· Escuela valenciana; con RIBALTA y, sobre todo, RIBERA, uno de los más genuinos cultivadores del naturalismo y del tenebrismo, si bien evolucionará hacia una mayor luminosidad y, un gran interés por captar la atmósfera.
· Escuela andaluza; con ZURBARÁN, BARTOLOME ESTEBAN MURILLO y VALDES LEAL.
· Escuela madrileña; con DIEGO DA SILVA VELÁZQUEZ (1599-1660).- Sevillano de nacimiento y formación inicial. Viaja a Madrid en 1622, donde triunfa como retratista en la corte, y pasa a residir allá desde 1623. En su obra se pueden diferenciar las siguientes etapas:
a) Sevillana y tenebrista. El Aguador, Vieja friendo huevos.
b) 1623-1649.- Configuración de su estilo. Tras su primer viaje a Italia (1629-31) abandona el tenebrismo y comienza a cultivar temas mitológicos: Triunfo de Baco, la Fragua de Vulcano. Realiza numerosos retratos de miembros de la familia real y de bufones. De principios de los años treinta es el cuadro conocido como Las Lanzas, una alegoría de la concordia. Su pincelada se hace más y más fluida, de naturaleza impresionista, interesándose cada vez más por captar la atmósfera.
c) 1649-1660.- Viaja por segunda vez a Italia (1649-51) donde realiza las dos vistas de los jardines de la villa Médicis, y los retratos del Papa Inocencio X y de Juan de Pareja. De vuelta a la corte; la Venus del espejo, Las Meninas, Las Hilanderas, además de varios retratos.
Otros pintores de esta escuela son Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello, pintores de cámara de Carlos II